Crítica do Slave Play: o show sensacional de Jeremy O Harris não é fácil de assistir – mas necessário

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A obra mais conhecida do polêmico dramaturgo americano Jeremy O Harris começa como a farsa de quarto mais confusa que se possa imaginar. Três casais inter-raciais representam cenários sexuais entre senhores e escravos, chicotes estalando e calúnias voando na frente de um público eletrificado cujos cérebros estalam e entram em curto-circuito quase tangivelmente enquanto eles descobrem como reagir. Poker Face? Terror performático? Ou apenas uma risada estranha diante do espetáculo de nádegas balançando de uma mulher branca com sotaque sulista vestida como uma boneca de papel higiênico, brandindo o vibrador da avó? É uma abertura grosseira que reflete a tempestade da mídia sem nuances que cerca Jogo Escravo. Quando estreou na Broadway em 2019, o elenco recebeu ameaças de morte. Quando a sua actuação no West End anunciou que algumas actuações seriam reservadas ao público negro como parte da iniciativa “Noites Black Out”, um porta-voz oficial do então primeiro-ministro Rishi Sunak condenou a ideia como “errada” e “divisiva”.

Mas há algo muito mais multifacetado e hábil Jogo Escravo do que as primeiras aparências podem sugerir. As armadilhas do drama de fantasia do primeiro ato logo desaparecem, os babados são substituídos por percepções psicológicas afiadas em um segundo ato ambientado em uma sessão de terapia de grupo. A música “Work” de Rihanna une essas duas metades, sua letra até escrita em neon no set de Clint Ramos. A princípio parece um Bridgertonanacronismo espirituoso da era, mas logo se torna mais parecido com o monólogo interno de Kaneisha (Olivia Washington), que anda em círculos enquanto trabalha, trabalha, trabalha em seu relacionamento com o cara branco emocionalmente atrofiado Jim (Kit Harington), tentando desenterrar seu desejo enterrado por ele. Ela descobrirá se ele a chamar de “negra”? Ou a faz comer melão caído do chão? Ela está tentando descobrir isso em um retiro terapêutico para parceiros negros em relacionamentos inter-raciais que são afetados pela anedonia – uma incapacidade de sentir prazer – que é presidido pelas pesquisadoras sexuais Teá (Chalia La Tour) e Patricia (Irene Sofia Lucio), que acho que a dramatização pode ser a resposta.

O casal gay Gary (Fisayo Akinade) e Dustin (James Cusati-Moyer) está tentando o seu melhor para jogar junto, o despertar sexual de Gary é atenuado pela recusa hilariante e complicada de Dustin em reconhecer que ele se beneficia do privilégio branco. E o mesmo acontece com Alana (Annie McNamara) e seu namorado muito mais jovem, Phillip (Aaron Heffernan), que não querem admitir o apelo distorcido da dinâmica de poder racializada de seu relacionamento. Há muita coisa aqui que pode repercutir mais no público americano – tanto o discurso terapêutico, com conversas sobre “processamento” e “manter espaço”, quanto o contexto histórico, que pode parecer distante para um público do Reino Unido educado por meio de um currículo que tem sido em grande parte eliminado o envolvimento profundo e sujo deste país no comércio de escravos. Mas English Jim oferece uma forma de entrar – ele vê a terapia como “acender incêndios onde não havia nenhum”, antes de gradualmente começar a sentir a história queimando na memória de Kaneisha. E talvez também no seu corpo – há aqui uma referência subtil à teoria da epigenética, que postula que o trauma de gerações passadas permanece nos nossos genes.

Grande parte da peça gira em torno da luta de Kaneisha para compreender e dar voz ao que está acontecendo dentro dela. Mas, como Alana aponta – enquanto fala sobre seu taciturno parceiro Phillip – são os brancos cujos sentimentos dominam a conversa.

'Slave Play' nunca é um relógio fácil
‘Slave Play’ nunca é um relógio fácil (Helen Murray)

A peça de Harris é repleta de uma inteligência satírica aguçada que faz com que as palavras certas saiam das bocas erradas e resiste a conclusões precipitadas. Nunca é fácil assistir – e suas noites de black out parecem um gesto importante para o público negro que não quer que o desconforto dos brancos defina sua experiência. Mas é necessário, pois mostra como as antigas estruturas de poder perduram, cobertas por protuberâncias de desejo desordenadas e carnudas.

Teatro Noël Coward, até 21 de setembro



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