Como a Bomb Factory Art Foundation celebra a fusão cultural na Grã-Bretanha

CEntão, onde e como iremos realmente ver os frutos da tão apregoada diversidade cultural da Grã-Bretanha? A última década viu um grande aumento no reconhecimento dos artistas negros britânicos. E Deus sabe que quase toda a gente, incluindo os nossos vizinhos continentais, parece pensar que fazemos este tipo de coisas melhor do que ninguém. No entanto, ainda parece muito distante o momento em que todos possamos participar sem culpa ou constrangimento na hibridização e fusão artística que são os resultados naturais da imigração.

Uma nova exposição em Fundação de Arte da Fábrica de Bombas no entanto, em Marylebone Road, Londres, argumenta que, longe de ser um ideal futuro almejado, esta hibridização tem ocorrido a nível popular na Grã-Bretanha há uns bons 40 anos. Gerações de jovens artistas, músicos e escritores britânicos cresceram considerando a amostragem gratuita, a mistura e o simples prazer das culturas uns dos outros como algo que acontece naturalmente.

“Quando você é uma criança criativa, você busca uma cena entre seus colegas”, diz o artista Zak Ové, cujo trabalho aparece na mostra. “Estamos falando de espaços caseiros e informais: discotecas, lojas de discos, esquinas, boutiques de moda e, claro, quartos de pessoas.”

Se tudo isso parece credível em Camden Town, cidade natal de Ové, Pallas Citroen, o curador da exposição, que cresceu como não-branco na zona rural de Sussex, argumenta que esta experimentação culturalmente promíscua está longe de ser algo exclusivamente urbano. “Eu morava em uma cidade pequena e muito inglesa e meus amigos e eu éramos todos obcecados pela cultura jamaicana.”

Intitulado One Nation Under a Groove, em homenagem ao icônico hino dos anos setenta de Funkadelic, o show apresenta uma extraordinária variedade de artistas, fotógrafos, cineastas e músicos de origem jamaicana, de Trinidad, do Paquistão, de Bangladesh, afro-americana e até mesmo de alguns brancos britânicos. Eles vão desde o falecido Horace Ové (pai de Zak Ové), realizador do primeiro longa-metragem negro britânico, Pressãoem 1976, para John Hoyland, uma figura importante da arte abstrata britânica, que produziu uma série espetacular de telas na Jamaica, no final de sua carreira. Há a atual luz principal da abstração britânica Rana Begum, o lendário DJ punk e cineasta Don Letts, o romancista vencedor do Booker Prize Ben Okri e vários artistas que ainda estão relativamente no início de suas carreiras.

abrir imagem na galeria

Com toda esta diversidade de formas e heranças, o título do programa não é enganoso? Não deveria ser chamado de One Nation Under, bem, bastante número de sulcos? “Na verdade não”, diz Citroën, “porque o tema de ligação é a liberdade de misturar culturas que a maioria das pessoas ligadas, de qualquer idade, simplesmente aceitam como o que a cultura britânica é agora. É desse ritmo que estamos falando. Existem muitas exposições agora que apresentam apenas o trabalho de artistas negros ou de herança africana ou de artistas do sul da Ásia. Isso é ótimo quando se trata de discriminação positiva, mas não tão bom quando se torna uma forma de segregação.”

Um fator de ligação é que nenhuma obra parece se enquadrar facilmente em apenas uma categoria, e a música é um forte fator de ligação, sejam os filmes abstratos inspirados em raves de Bill Daggs ou as palavras e ritmos que alimentam o misterioso figurativo encharcado de violeta de Andrew Pierre Hart. pintura ou as influências generalizadas de dub e EDM ao longo da exposição.

Embora tenha se tornado uma pedra angular da cultura popular britânica que a arte e a música andam naturalmente juntas – de John Lennon a Ian Dury e Jarvis Cocker – essa é uma narrativa da qual os artistas negros estiveram até recentemente notavelmente ausentes. Enquanto o mainstream pop britânico canibalizava impiedosamente a música negra, os conceitos de música negra e de música branca estavam sujeitos a uma espécie de apartheid psicológico na consciência do consumidor de massa até meados da década de 1970. A música negra era vista como terrena e de rua (com todos os aspectos positivos que isso implica), mas distante da autoconsciência e da complexidade atribuídas ao rock branco. E tudo isso apesar dos enormes perfis e da sofisticação patente de grandes inovadores da música negra, de Miles Davis a Stevie Wonder. A noção de arte contemporânea negra, entretanto, simplesmente não existia para a maioria das pessoas no mundo da arte, muito menos para a população em geral.

abrir imagem na galeria

As coisas começaram a mudar com a obsessão do punk pelo reggae e os mash-ups gloriosamente impuros de The Clash, The Slits e Public Image Ltd. Foi seguido por 2 Tone, uma moda retrô baseada no ska que criou uma mudança genuinamente sísmica no pop britânico, abrindo caminho para uma série de explorações de art-soul-funk distintamente britânicas, de Rip, Rig e Panic com Neneh Cherry a Soul II Soul, Massive Attack e até mesmo Culture Club. As artes visuais retribuíram com o surgimento do Black Art Group, um grupo de estudantes residentes em Midlands determinados a criar um espaço para a representação da experiência negra britânica. Embora a insistência do movimento numa identidade Negra unitária possa parecer ir contra a narrativa da fusão cultural, o Grupo de Arte Negra lutava pela sua própria existência numa paisagem cultural hostil.

“Estamos diante de algo equivalente à posição da música negra na Grã-Bretanha antes da Motown”, diz Zak Ové. “De estar quase completamente em lugar nenhum. Depois que o impacto inicial foi causado, ele continuou a crescer.” Vários dos membros do grupo estão agora entre os grandes artistas emblemáticos da Grã-Bretanha: desde Sonia Boyce, que representou a Grã-Bretanha na Bienal de Veneza de 2022, até Claudette Jones, uma das favoritas para ganhar o Prémio Turner deste ano.

abrir imagem na galeria

O artista Bill Daggs, cujos filmes aparecem na exposição, chegou à arte depois de uma carreira como MC de hip-hop e considera-se um produto, literalmente, daquele momento crucial de fertilização cruzada do início dos anos 80.

“Meu pai era engenheiro de som na Island Records e trabalhou em muitas de suas gravações clássicas de reggae, dos Wailers ao Burning Spear. Minha mãe costumava ir ao estúdio, então eu comecei a gostar de grooves de baixo pesados ​​quando ainda estava no útero.”

O filme de Daggs Confronto Riddim Pt 1 à primeira vista, parece um “filme de artista” abstrato da década de 1970, embora retire suas texturas totalmente desconstruídas e cores psicodélicas de clipes de sistemas de som e raves roubados do TikTok e do YouTube.

“É uma ‘assombração’ da dance music britânica”, diz Daggs. “Ele narra todas as principais formas musicais – dub, house, rave, drum and bass – como uma série de utopias perdidas.”

abrir imagem na galeria

Linett Kamala, professora do prestigiado Central Saint Martins College of Art de Londres, que também foi a primeira mulher a ser DJ no Carnaval de Notting Hill, em 1985, aborda o sistema de som a partir do que ela descreve como uma perspectiva mais “holística”.

“O sistema de som é um fenômeno colaborativo e intergeracional”, diz ela. “É muito mais do que a voz tipicamente masculina do selecionador. Procuro restaurar os aspectos curativos e cerimoniais do sistema de som – embora não seja um Rastafari – através da forma como o sistema é montado e desmontado, e da forma como faço a curadoria da música. Você não ouvirá nenhuma palavra N ou B no meu sistema de som. Pode haver um lugar para isso, mas não deve se tornar a norma.”

Então, como entra o aspecto artístico? “Meu sistema de som é uma obra de arte por si só. Eu mesmo fiz isso com minha equipe de jovens ajudantes.”

Citroën, cuja trajetória é paralela à trajetória histórica da exposição, tendo abandonado o curso de antropologia para se tornar modelo e divulgador de house music antes de fazer mestrado em escultura na Central Saint Martins, considera a atual proliferação de plataformas digitais um obstáculo – ao contrário do que você esperaria – ao tipo de interação cultural que o programa celebra.

“As pessoas têm medo de sair do seu próprio território, de serem canceladas para apropriação ou de dizerem algo errado. E isso se torna uma forma de censura quando impede as pessoas de lidar com questões que consideram estar fora de seu âmbito cultural. As cenas dos anos 80 e 90 foram intensamente políticas, do Rock Against Racism ao Greenham Common. Mas há tantas questões conflituantes, questões e potenciais armadilhas hoje em dia que as pessoas, especialmente os jovens, hesitam em fazer arte política.”

A Citroën fundou a The Bomb Factory, uma instituição de caridade que oferece estúdios de artistas e espaços para exposições, há 10 anos em uma pequena antiga instalação industrial na área de Archway, no norte de Londres. A disponibilidade de antigos escritórios e espaços comerciais após a pandemia permitiu a sua expansão para instalações em Chelsea, Holborn e no impressionante espaço de Marylebone Road, onde a exposição está a decorrer. A maioria foi adquirida como “espaço entretanto”, para ser utilizada antes que os proprietários encontrem uma utilização mais rentável. Com as escolas de arte que formaram o cadinho experimental da arte, e muitas outras coisas, sob a ameaça de taxas exorbitantes que excluem os estudantes menos ricos do processo, a Citroën acredita que lugares como a The Bomb Factory terão um papel cada vez maior como locais para artistas. conhecer e desenvolver ideias.

“Temos artistas que não frequentaram a escola de artes, mas que chegaram por outros caminhos. Temos pessoas de todas as origens e idades – não apenas os jovens. A arte na exposição tem suas raízes em muitos lugares fora das instituições educacionais formais. Mas, ao mesmo tempo, você precisa desses espaços centrais, sejam eles faculdades ou estúdios, onde as pessoas tenham tempo e espaço para reunir todas as suas coisas pessoais.”

‘One Nation Under a Groove’ estreia em 206 Marylebone Road, Londres, em 5 de outubro e vai até 31 de outubro