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No saguão de um prédio do governo de DC, arte e política de identidade

Não é surpresa encontrar políticas de identidade nas galerias de Washington. Museus, organizações regionais sem fins lucrativos e outros centros de arte correram para fornecer maior acesso a artistas de grupos sub-representados, especialmente instituições que antes ignoravam raça ou classe. Curadores inteligentes colocaram esse esforço na frente e no centro hoje. Organizações em todo o país estão fazendo o mesmo pivô. DC não é diferente.

Mas uma coisa é surpreendente sobre a política de identidade na arte de Washington: as exposições mais estridentes podem ser encontradas visitando as instituições locais mais estabelecidas.

Um exemplo é “Re/envisioning”, um show do grupo com o dedo no pulso. Com curadoria de Nicole Dowd e Allison Nance, a mostra reúne trabalhos de seis artistas ligados por uma preocupação com a identidade – não apenas afirmando a própria, mas desafiando os sistemas rígidos que podem defini-los como outros. Não há uma linha comum de história ou meio a ser encontrada, mas uma corrente de descontentamento radical permeia esse show mental acadêmico. Pode ser visto, curiosamente, no saguão de um prédio do governo de DC.

O trabalho de Fargo Nissim Tbakhi é o mais diretamente político. Em um vídeo, “Palestine Is Futurism” (2022), um performer canta frases que aparecem na tela sobre uma instalação de tecidos. “Sal marinho é internacionalismo”, “Fome é neocolonialismo”, “Cacto é marxismo” e outras proposições urgentes, mas místicas, são cantadas quase como hinos.

As peças de Tbakhi sugerem mais filosofia do que arte. Essas frases são variações surreais de um dispositivo retórico conhecido como crítica. No debate ou na filosofia, a crítica é uma tática para desafiar o modo de pensar de uma crença baseada em uma teoria crítica sobre as estruturas sociais. A crítica marxista, neocolonialista ou transfeminista funciona como uma ferramenta para derrubar os parâmetros normais do debate, para forçar um oponente a afirmar ou rejeitar essas teorias críticas. A obra de Tbakhi – tanto o vídeo quanto a instalação de seus poemas – é tecida com essa didática.

Algumas das obras em “Re/envisioning” apoiam-se tanto na prática social que o artesanato em exibição pode parecer uma distante reflexão tardia. Adele Yiseol Kenworthy“O que você sempre desejou que eu perguntasse e soubesse sobre você” (2023) apresenta buquês de flores ao lado de fotos de família cujas figuras foram cortadas. A sensação de saudade da família nessas colagens é palpável. No entanto, a artista também enquadrou seus arranjos florais como um ato de protesto político ou ação coletiva. Essa é uma noção totalmente diferente, que faz com que as colagens para “Re/imaginar” pareçam arbitrárias.

Projetos de Antonio McAfee e Stephanie J. Williams brilhe em “Re/imagine”. A série “Through the Layers” da McAfee (2017-2019) transforma retratos fotográficos de figuras negras da era da Reconstrução tiradas de coleções de arquivos reunidas pelo autor WEB Du Bois e pelo jornalista Thomas Calloway em colagens 3D estereoscópicas. O efeito visual vermelho e ciano intencionalmente imperfeito torna difícil realmente ver esses retratos, mesmo usando óculos 3D – uma expressão poderosa de um tema de invisibilidade que percorre o retrato negro. As assustadoras animações stop-motion de Williams também apreciam a ambigüidade. “Hospes” (2022) encontra uma coleção de marionetes desajustados e vermes presos dentro de um círculo de portas que continuam se fechando sobre eles. Um espectador pode reconhecer o título como a raiz latina para hospitalidade, mas a compreensão não é necessária para entender o vídeo. Seu trabalho faz o espectador sentir profundamente o horror corporal sufocante de ser mal interpretado.

Todo o texto de parede em “Re/imaginando” impede que as obras falem por si mesmas, mesmo quando seu significado é claro – ou, mais importante, quando as possibilidades são muitas. “Sonic Fracture” (2023) faz parte de uma série de performances contínuas de Stephanie Mercedes em que o artista derrete botas de bala e armas em uma fundição e refunde o metal como simples sinos. É um projeto de espadas a arados, ressonante e acessível, que resulta em pequenas esculturas minimalistas imperfeitas. Seu trabalho aponta para Richard Serra e Lynda Benglis, artistas que revolucionaram as esculturas fundidas ao jogar e derramar materiais fundidos; mais literalmente, esses sinos falam sobre o número de armas de fogo no distrito.

No entanto, um pôster descrevendo o projeto da Mercedes o enquadra em termos de teoria crítica, não de material ou processo. Inclui uma citação da teórica política e social Nancy J. Hirschmann: “A hostilidade freqüentemente expressa contra … indivíduos estranhos é uma função do medo da indecidibilidade do. [queer] corpo.”

Essa é uma citação pesada para pendurar ao lado de qualquer obra de arte, e não porque o projeto da Mercedes não resista ao escrutínio. Em vez disso, é difícil dizer quem os curadores imaginam que sejam os espectadores de “Re/envisioning”, ou como eles acham que o público deve navegar na sopa espessa da teoria crítica. Este exercício acadêmico é realmente para pessoas que passam a caminho da Agência DC para Crianças e Serviços Familiares?

O prédio de escritórios também abriga o DC Comissão de Artes e Humanidades, então não é como se o show estivesse fora do lugar. Mas o envolvimento do governo é suspeito para uma exposição que incentiva a libertação do capitalismo. Isso pode ser um gesto subversivo por parte dos curadores, mas também pode ser uma atitude cínica por parte da agência: retirar-se crítica à relativa segurança da crítica em uma cidade extremamente progressista.

A comissão não é a única instituição de arte local que adotou a práxis como uma declaração de missão. Considere o Projeto Washington para as Artes – uma respeitada organização sem fins lucrativos local de artes visuais desde 1975 – que quase desistiu de expor obras de arte, apesar de lutar muito e muito. abrir um espaço permanente no corredor U Street em 2015. Atualmente, o WPA está hospedando seu sexto “artista-organizador residente” a partir de 2021: Ama BE, que estuda alimentação e medicina de imigrantes africanos locais. Esta residência não é acessível ao público nem necessariamente destinada à produção de artesanato visual. O que é bom: há espaço em Washington para uma incubadora progressiva experimental. Mas essa mudança tectônica na programação contrasta com o leilão beneficente anual da organização, uma celebração na qual a WPA pede aos artistas locais que doem os lucros da venda de pinturas, fotografias e esculturas – o tipo de trabalho que a galeria mal suporta.

“Re/imaginar” aponta para um fenômeno mais amplo, um achatamento que ocorre quando os curadores adotam uma estrutura dialética sobre outros fatores envolvidos em fazer ou ver arte. Elevar o discurso pode parecer necessário no momento. Pode parecer o único movimento importante ou mesmo possível. (Ou financiável.) Mas a arte oferece tantas outras maneiras de negociar o mundo que também são importantes. Os artistas desta mostra fizeram as melhores obras de arte; o show os reimagina como marcadores políticos.

DC Comissão de Artes e Humanidades, 200 I St. reenvisioningexhibit.com.